john&paul&george&ringo

Simplemente nos tenemos que quitar el sombrero: los adjetivos de mito, maestro, genio.... Todo se intuía al verlo llegar al escenario, con un paso tranquilo, mirando al público con ojos de topo, moviéndose con el empaque de sus casi setenta años y el enorme bagaje musical y literario que representa. Si encima Dylan se rodea de una banda como la de ayer, entonces lo tienes claro: no importa nada más que la música.

Ni las modestas luces, ni una mitad de público irrespetuosa e incapaz de callarse ni siquiera ante una banda o un mito así (imagino que estarían más callados ante una insulsa estrella del cante jondo, pero no lo quiero ni pensar...), ni una entrada modesta, ni unas canciones casi irreconocibles hasta para el mayor de los fans, ni el marketing (que se palpaba inexistente), nada, absolutamente nada importaba salvo la música, la música, pura y dura.

Con una puesta en escena tan discreta y sobria Dylan nos está avisando: a la mierda todo lo demás. Música y luego llámalo como quieras. No le hace falta ni siquiera buen rollo con el público. Fue rigurosamente puntual (lo cual es ya un respetuoso guiño hacia el público, a mi manera de entender la puntualidad) y luego dio dos horas de rythm’n blues y hasta rock’n roll al viejo estilo, generada desde una banda formidable, enorme, todos y cada uno de sus miembros. Imposible de explicar, para qué vamos a hablar. Hay que verlo.

Mis respetos por un planteamiento tan directo y tan genuino de la música.

Y me río de los que decían aquello de "¡qué cara es la entrada!". Y yo lo afirmo, es muy cara. Y también, visto lo visto, la volvería a pagar otra vez para ver un espectáculo musical así.

Por cierto, escalofriante versión de Masters Of War. Quizá eso ya valió la entrada.

Este fue el tracklist que circulaba por internet ya a la una de la madrugada.

(Rene & Mark for the email)

Lo de las nuevas reuniones llega a ser ya cansino, repetitivo, poco estimulante. Genesis, Eagles, The Police, Van Halen, Led Zeppelin, etc. Que vuelvan a tocar juntos músicos que, por lo demás, no son precisamente mediocres, todo lo contrario, puede parecerme atractivo e interesante. Pero hay algo de contradictorio en todo esto. Un asunto obvio es el dinero, no seamos ingenuos.  Y luego está la magia, eso que no se puede explicar... A uno le cuesta asumir que, como Queen, una vez que perdieron a Freddy Mercury, la magia no es algo que pueda volver tan fácilmente. En el caso de Led Zeppelin, como el de Queen, es imposible. No está John Bonham y no se entiende porqué muchos de estos grupos se empeñan en oscurecer sus magistrales leyendas, algunas de ellas merecidas y maravillosas.

Creía imposible, por la integridad que mostraba sobre ello, que Sting se decidiera a reunir The Police. Lo hizo y espero que no empañe lo que dejaron hecho. Lo mismo lo mejoran con un nuevo disco... Ahora son Led Zeppelin los que, mañana mismo, 10 de Diciembre, en el gran acontecimiento del año en el rock, volveran a tocar con Jason Bonham, el hijo del batería original. Los temas que hicieron están ahí. Podemos escucharlos más jóvenes, o podemos verlos cómo están ahora y maravillarnos con el talento que todavía seguro que poseen. Las opiniones, como decía Clint Eastwood, "son como los culos: todos tenemos uno".

De padre griego y madre sueca,  Steven Dimitri Georgiou triunfó como Cat Stevens en los sesenta y setenta con canciones como Wild World, The First Cut Is The Deepest o Father and Son, entre muchas otras. Es un personaje enigmático y lleno de talento. Sobre todo cuando en pleno éxito comercial y artístico, y según dicen, tras llevar una vida repleta de sexo y drogas como millonario, Cat estuvo a punto de morir ahogado en la playa de Malibú. Aquello provocó su conversión al Islam y su nuevo nombre, ahora Yusuf Islam. Fue entonces, en 1978, cuando dejó de publicar música y se retiró definitivamente. Pasó a convertirse en uno de los líderes islámicos de Londres.

Han pasado veintiocho años desde su último album pero ha sorprendido a todos, a mi por ejemplo, con su disco Another Cup, que tiene todo el talento de sus composiciones de siempre. A mi me parece un artista con una gran sensibilidad, con un gran gusto. De su vuelta, Yusuf Islam culpa a su hijo. Es maravilloso escucharle hablar sobre cómo surgió todo:

“Todo comenzó hace un par de años cuando mi esposa le compró una guitarra a nuestro hijo. Era una preciosa Gibson negra y estaba por allí. En mi mente, se me iban las manos hacia ella. Fue una difícil tentación de resistir .Y me rendí. Sí, yo le echo la culpa a mi hijo de que haya vuelto a coger la guitarra. Un día descubrí que la tocaba muy bien, que escribía sus propias canciones . Sentí nostalgia. Así que una noche, cuando los demás estaban dormidos , después de los rezos matinales, cogí la guitarra y empecé a tocar cosas nuevas, cosas que volvían a salir de mi imaginación. Sentí como si volvía a enamorarme otra vez de la guitarra. De alguna manera, la guitarra es un gran símbolo de unidad. La guitarra llegó a Europa gracias a los árabes españoles . Eso lo supe hace un par de años ,cuando estuve visitando Cordoba ,que me impresionó. Me lo contaron nuestros hermanos de Al- Andalus. Entonces pensé que la cultura, realmente, no tiene fronteras. Y que también debía volver a aprender. Incluso conozco  nuevos acordes en la guitarra”

Y lo mejor de todo, para todos los que nos gusta Cat Stevens, ahora siente la necesidad, no sólo de volver a aprender (de ahí su especial humildad y sensibilidad a la hora de percibirse como músico) sino de  de volver a componer:

”Para ser lo que quieres ser, debes de dar a tu existencia lo que tu eres. Eso es muy importante. Pero ahora he sabido que hay un pequeño espacio en mi existencia que tengo que rellenarlo con mi música”.

Su último disco lo ha grabado entre Estados Unidos e Inglaterra pero de su reciente deportación de los Estados Unidos mejor ni hablar. Todos nos imaginamos el porqué. Por fortuna, Cat Stevens nació cerca de Carnaby Street, en plena Oxford Street, y lleva siendo londinense toda su vida. La vida es algo más que un pasaporte denegado por un gordo policía americano.

Una pena que esté siendo un fracaso comercial en Inglaterra (en España, a lo nuestro, seguimos con el Arrebato) porque es un grupo brillante y original. Mr. Hudson & The Library y su pianista, una maravilla en este concierto en una librería de Lancaster. El siguiente vídeo es una versión del single Too Late Too Late en el show de Jools Holland. Sigo recomendando A Tale Of Two Cities, el debut de Mr. Hudson.

11 de Frebrero de 2007. Sting aparece en el escenario y grita al público algo que siempre pareció imposible: "Ladies and Gentlemen, we are The Police and we're back!". The Police abren la ceremonia de los Grammys y anuncian una gira mundial que comenzará a finales de Mayo en Vancouver. No habrá nuevo disco.

http://www.thepolicetour.com/

De momento, Stewart Copeland define al grupo de la siguiente manera: "Durante los ensayos de la semana pasada tuvimos muchos problemas musicales. Sonábamos como una banda de colegio. Ayer ya empezábamos a sonar como un grupo de bar. Hoy ya sonamos como "Ey, nos podemos ganar la vida con esto". Todavía no tocamos como si nos mereciéramos tocar en estadios. Estamos en ello."

Sorprende que el máximo responsable de la reunión haya sido Sting, que siempre se mostró intratable respecto a la reunión en los últimos veinticinco años. Stewart y Andy no lo creían.

La gira de The Police se ha convertido en el gran acontecieminto musical y comercial  del año. Además, la promotora de la gira, perteneciente a la cadena de emisoras americana Clear Channel, pretende probar y desarrolar un nuevo tipo de negocio musical: vender cds de las actuaciones con el propio sonido de la mesa de sonido, poco después de que terminen de actuar. Esta práctica puede llevar a grandes problemas con las compañías discográficas.

Pero, dejando a un lado la nostalgia, ¿terminará bien esta reunión? ¿O acabará como la de Cream del año pasado, con Eric Clapton y Ginger Baker hartos, confundidos y desesperados con el bajista Jack Bruce, que se volvió loco y arruinó los conciertos del Madison Square Garden?

Vivían juntos en una casa comunal. Doherty recordaba aquellos sesenta y cómo debajo de la fama y el triunfo de The Mamas and The Papas se escondía una turbulenta y complicada relación: "Cass me quería a mí, yo quería a Michelle, John también quería a Michelle, Michelle me quería a mí pero también quería su libertad."

The Mamas and The Papas aúnaban la estética folk y la hippie de una manera maravillosa e inolvidable. Este grupo, junto con muchos otros, entre ellos The Byrds, The Beatles, The Doors, Love o Lovin' Spoonful, representan los valores (no hablo de drogas, lógicamente) por los que considero los sesenta como la época más pura e increíble de la música popular. Quizás todo estuviera por inventar pero, desde luego, inventaron mucho y muy bueno. Incluso hay veces en que la música parece desaprender todo lo que está gente dejó hecho...

Después de la fama y el triunfo de The Mamas and The Papas, si hubiera una lista de excesos que cometer con las drogas, ellos los cometieron. Todos y cada uno.

El pasado 19 de Enero moría uno de sus miembros fundadores, Denny Doherty. El mejor homenaje que poedo hacerle en JohnPaulGeorgeRingo es recordarlos en directo, con un vídeo en el que podéis ver a The Mamas and the Papas (Denny es el de barba) interpretando su gran tema California Dreamin' en el Festival de Pop de Montery en 1967. Por cierto, los músicos acompañantes, aunque no se vean, eran los mejores músicos de sesión de Los Ángeles, entre ellos, el batería Fast Eddie Hoh.

Los rumores acerca de una posible reunión de The Police para una serie de conciertos en Gran Bretaña y Estados Unidos empiezan a sonar fuerte en los medios de comunicación especializados. En un reciente concierto de Sting, dentro de la gira de promoción de su nuevo disco, Songs From The Labyrinth, que es ya el disco más vendido por el sello de música clásica Deutsche Grammophon, el cantante cerraba la actuación con una canción dedicada a "dos personas que han sido muy importantes en mi vida". Entre el público estaba el que fuera batería de The Police, Stewart Copeland. 

El comentario ha atraído la atención de la prensa musical en Estados Unidos y, a pesar de las reiteradas negativas de Sting, existen indicios de que la reunión puede darse este año, en conmemoración del 30 aniversario de la salida de Fall Out, primer single de The Police que fue distribuido por ellos mismos de tienda en tienda.

De momento, A&M Records no ha confirmado nada oficialmente aunque los seguidores de la banda, entre los que me incluyo, estamos de enhorabuena. A&M Records va a reeditar el vídeo The Police: Around The World en DVD y, además, está elaborando un segundo box-set con material inédito que sería la continuación del box-set Message in a Box, lanzado a mediados de los noventa.

El vídeo que os traigo recoge una gran versión en directo de Message in a Bottle, incluida en el concierto que The Police dieron en Atlanta, Georgia, en 1983, dentro de la gira Synchronicity. Pocos meses después, en los más alto de su carrera, la banda se separó. Stewart Copeland se refiere a aquella época en The Police como un "infierno viviente".  La histórica actuación en Atlanta está incluida en el maravilloso DVD Synchronicity Concert editado en 2005.

La semana pasada visité la web oficial de David Bowie. Justo en ese momento aparecía en su sección de última hora la noticia que ha sido, desde entonces, la "comidilla" en el mundo de la música. El acetato de la primera sesión de estudio de la Velvet Underground, cuyos "masters" continúan desaparecidos, aparecía en el portal de subastas de Internet, Ebay. El comprador, alias Merchadaddy, pagó la cantidad de 119.000 Euros. Es el disco más caro de toda la historia.

Hasta ahora, David Bowie era la única persona propietaria de una copia (diferente a este vinilo) anterior a la salida oficial del disco, copia que, además, lleva la firma del artista Andy Warhol, manager de la banda y uno de los pocos, junto a Bowie, que creía en Lou Reed y compañía.

El canadiense Warren Hill, que ni siquiera era admirador de la Velvet, compró el acetato por sólo 75 centavos en un mercadillo de Manhattan cuando era estudiante de Historia. Desde entonces, lo único que había hecho con él era guardarlo en un cuarto y dejar que el tiempo le creara una fina película de polvo. Eric Isaacson, seguidor de la Velvet, y Norman Dolph, quien en 1969 cortó el mismo acetato y lo llevó a los directivos de Columbia Records (quienes lo rechazaron) le han ayudado a calcular el valor y a presentarlo como lo que es, una verdadera joya.

Lo curioso y lo más enigmático es el camino que recorrió este acetato para, después de pertenecer a John Cale y a Andy Warhol, terminar en un simple mercadillo de Manhattan, con el precio, que hoy ya da risa, de 75 centavos.

Me gusta llamar "Descargas locas" (Crazy Download) al fenómeno, en el que me incluyo, consistente en bajar de internet miles de discos y no escuchar ni tres de ellos. Es algo evidente que las descargas masivas han cambiado, entre muchas otras cosas, la manera de escuchar música e incluso de ver películas. Pero, ¿ha cambiado nuestra percepción y oído musical? ¿Para bien? ¿Para mal?

El tema me parece interesante. Quizá el que más me ha gustado al definirlo, creando múltiples puntos de vista pero siendo bastante agudo al mismo tiempo, es Nacho Vegas, antiguo componente de Eliminator Jr. y miembro fundador de Manta Ray, actualmente en solitario.

En una entrevista realizada junto a Enrique Bunbury, dijo algo que me llamó especialmente la atención:

Nacho Vegas: "Esto va a parecer muy rancio dicho ahora, pero cuando tú te buscabas la vida para encontrar un disco, lo disfrutabas más. Lo oías. Lo volvías a poner. Hay una cosa un poco romántica en eso. Incluso, para grabar un casete, lo oías al grabarlo. Hoy, un tipo se puede bajar discos enteros sin oírlos. Y el tener un montón de música en el disco duro a veces hace que escuches peor esa música, que no te llegue como cuando comprabas un disco"

Leyendo esto me acordé de las veces en que grababa un disco en un casete mientras lo escuchaba. Muchas veces. Ahora acabo de hacer un click sobre algo que ni estoy escuchando ni voy a escuchar en meses o quizá en años...

Pero lo que más me interesa es el oído, la percepción. ¿Escuchamos? ¿Oímos?. Tenemos más música a nuestro alcance pero, ¿tenemos mejor percepción musical?.

Con motivo del lanzamiento de su nuevo disco, Modern Times, un disco que comentaremos aquí muy pronto, Bob Dylan fue entrevistado por el periódico estadounidense USA Today y realizó unas declaraciones polémicas, contradictorias y muy interesantes. En un artículo anterior comentamos algunas de estas declaraciones de alguien que, por otra parte, ha hecho ya suficiente como para hacer o decir lo que le de la gana. La prueba, su último disco, una joyita más de su particular estilo.

En la entrevista, Dylan habla sobre el estado de la música actual, su sonido, su concepto (completamente alejados del suyo) y hace referencia a Bruce Springsteen como el último artista realmente original. Resulta interesante esta opinión si recordamos que Bruce comenzaba su carrera con los maravillosos Greetings From Asbury Park N.J. y The Wild, The Innocent & The E Street Shuffle, trabajos que ya tenían la fuerza, las letras y las melodías características del Boss pero que debían mucho al genio de Bob Dylan.

Os adjunto un extracto de la entrevista que podéis leer (en inglés) en la versión online del USA Today. En la fotografía, Springsteen en la magnífica gira de este año con su nueva banda,  la Seeger Band, una gira que le trae a Santander, Madrid, Valencia, Barcelona y Granada este Octubre. Desgraciadamente, me he quedado sin entradas. Duraron un día.

"Los músicos que han cambiado mi vida eran todos solistas. No se ajustaban a ningún tipo de realidad más que la suya propia. El último en destacar y ser tenido en cuenta como un artista original es Bruce Springsteen, creo. Los solistas me motivaron, los grupos no. Gente con originalidad, ya sean Hector, Aquiles, Ted Turner, Jerry Lee Lewis o Hank Williams".

"El ritmo que la gente toca hoy, eso está tan lejos del verdadero ritmo como el sol de la luna. Esos ritmos sirven para que la gente pose, pero no la conmueven ni cambian su vida. Son vulgares y anticuados, y en eso se ha convertido la música pop. Incluso los metales se hacen pesados".

http://www.usatoday.com/life/music/news/2006-08-28-bob-dylan_x.htm

Bob Dylan saca nuevo disco. Gran noticia pues se trata de uno de los últimos grandes de la música que sigue vivo.

Algo que no quita que pueda decir tonterías como las que dice. Comentarios realmente impropios de alguien como él, un verdadero genio de la composición. Como decía Peter Ustinov: "tengo una máxima y es que no interpreto personajes que no tengan contradicciones internas" En este caso, Bob Dylan es un personaje que abraza lo digital, y se vende a ello, pero luego aborrece el sonido al que se ha vendido. Curioso y grande este Dylan.

Os adjunto la noticia, comentada en El País por Diego Antonio Manrique.

El martes 29 de agosto aparece en las tiendas Modern times, álbum número 44 de la obra oficial de Bob Dylan. Y no llega discretamente. Su editora está tratando el lanzamiento como un acontecimiento cultural de primer orden. Además, unas avinagradas declaraciones del cantante al quincenal Rolling Stone han revuelto el cotarro con su desprecio por el sonido de los discos editados "en los últimos 20 años".

¿La campaña de pre-promoción? Magistral. Desde julio, Sony-BMG convocaba en Nueva York a periodistas de Estados Unidos y Europa. Se les recluía en una sala de escucha donde sonaban los 63 minutos del disco y se les permitía leer las letras (33 folios, a devolver antes de marcharse). Aún en esas circunstancias, las críticas resultantes han sido más que entusiastas. En Madrid, ayer, los críticos españoles pudieron escuchar por primera vez Modern times.

La carrera de Bob Dylan se distingue por su voluntad de ser creativamente imprevisible y personalmente opaco. Sin embargo, ya ha cedido a las maquinaciones del marketing. Acepta editar discos exclusivos para su venta en cadenas de cafeterías o librerías. Permite que Twyla Tharp desarrolle una coreografía con su cancionero. Publica libros autobiográficos. Controla un documental como No direction home, firmado por un respetuoso Martín Scorsese, y permite que el realizador gay Todd Haynes planee I'm not there, un biopic donde será encarnado por siete actores, incluyendo a la bella Cate Blanchett. Incluso, para promocionar Modern times, se ha hecho un corto con la actriz Scarlett Johansson.

Dylan, que soportaba la existencia de miles de discos piratas con su nombre, ha aprendido a valorar sus propios inéditos. Aparte de nutrir la serie Bootleg, permite un goteo de temas en directo o tomas alternativas como anzuelo para coleccionistas. Ha pactado con Apple para vender por iTunes The collection, una "caja digital" que se podrá descargar por 199 dólares: 800 canciones, con 42 grabaciones raras, una oferta que muchos dylanófilos no podrán rechazar.

Característicamente, el abrazo al negocio digital viene salpimentado por un ataque a la tecnología. Entrevistado por el novelista Jonathan Lethem, en Rolling Stone, abomina de los estudios y los soportes contemporáneos: "No conozco a nadie que haya hecho un disco que suene decente en los pasados 20 años, de verdad. Escuchas a esos discos modernos y son atroces, llenos de sonido. Nada está definido, ni siquiera la parte vocal, es como si fueran ruidos parásitos. Mis últimas canciones probablemente sonaban 10 veces mejor en el estudio cuando las grabábamos. Los CD son pequeños, no tienen estatura. Recuerdo cuando el tipo de Napster se descubrió, dijo que 'todos están consiguiendo música gratis'. Yo pensé: 'bueno, claro. De cualquier forma no vale nada'".

Aunque Neil Young lleva años con esa cantinela, ahora es Dylan quién lanza anatemas y eso amplifica la acusación. El alboroto está siendo fenomenal, con abundantes respuestas doloridas. Primero, Bob ignora a los músicos que graban al viejo estilo, con máquinas analógicas; a veces, editan los resultados en vinilo. Segundo, la mayoría de los productores consideran luditas los prejuicios contra lo digital. Tercero, muchos se preguntan si Dylan confunde altura interpretativa con naturalidad sonora. Cuarto, la calidad sonora de la Collection de iTunes es inferior a cualquier CD, sin hablar de los Super Audio.

En realidad, el arrebato responde a la añeja antipatía de Dylan por los estudios y sus convenciones, que le llevó a grabar sin enseñar a sus músicos los rudimentos de las nuevas canciones. En esa entrevista, reconoce que no le gusta hacer discos: "Lo hago con reticencia. No me apetecía ser sobre-producido. De todos modos, siento que he producido mis propios discos, excepto cuando había alguien que se cruzaba." Parece estar pensando en Daniel Lanois, con el que protagonizó enfrentamientos que quedaron reflejados en el primer volumen de Crónicas, pero podría hablar de Don Was, Mark Knopfler o Arthur Baker, que -con diferentes tácticas- también intentaron domarle. Ahora, Dylan se autoproduce, bajo el seudónimo de Jack Frost.

Superviviente. La mejor palabra que se me ocurre para describir a uno de los pocos grandes de los sesenta que nos quedan. Su trabajo en esa década, para mi la mejor de la música popular (término este que hoy día no sé ni lo que es, véase el Festival de Benicassim), resume la esencia de su estilo, de su personalidad, de su forma de contar historias con la guitarra. Sus solos siguen siendo algo extraordinario, para mi lo mejor de la música actual. Disfruto muchísimo de su guitarra y ha sido un regalo maravilloso que se reuniera con Jack Bruce y Ginger Baker para unos grandísimos conciertos de Cream en el Royal Albert Hall y el Madison Square Garden. Os recomiendo esta reunión (documentada en DVD y disco) aunque lógicamente debéis escuchar sus discos de los sesenta, en el caso de que, raro sería, no los hayáis escuchado.  

A Jimi Hendrix le preguntaron un día si era posible hacer blues siendo rico. Viendo a Clapton yo tengo clara la respuesta. Y me encanta que tenga tantos detractores. Cuanto más lo critican mejores discos saca. Sobre todo de blues.

Uno de los pocos genios que quedan, le pese a quien le pese.

Acabo de leer una interesante entrevista a Danny Carey, batería del grupo Tool. Es alguien del que todo el mundo me habla y me aconseja que escuche, cosa que voy a hacer, por supuesto. En la entrevista hubo una cosa que me llamó especialmente la atención. Decía esto.

"Para grabar mejor los agudos inundamos la habitación de helio, para que el aire fuera más fino que el oxígeno, y crear unos agudos transitorios que hacían que los platos los atravesaran mejor"

Curiosos métodos de producción.

Por cierto, para los fans de Tool, su último disco es 10.000 Days editado por el sello Volcano este mismo año.

El momento actual de Bruce Springsteen es bastante interesante. Su nuevo disco tiene diferentes lecturas, entre ellas la lectura política, directamente roja (y tal como está EEUU digamos que es un trayecto peligroso...) y, por otro lado, la lectura innovadora, la invención de un especie de folk & roll, tal y como explica el siempre interesante Diego Antonio Manrique en su artículo de hoy en El País. Os lo adjunto aquí mismo.

Canal + presenta hoy (0.05) la última aventura musical de Bruce Springsteen. Grabado por la BBC en una iglesia, se trata de la plasmación en directo de su disco más reciente, We shall overcome: the Seeger Sessions. Es el mismo espectáculo improbable que en octubre recorrerá cinco ciudades españolas: el autor de Born to run, acompañado por instrumentos tan escasamente rockeros como el bombo, el violín rural, el acordeón o la tuba; aparte de la presencia de la señora Springsteen, Patti Scialfa, nada recuerda a las belicosas bandas urbanas de anteriores visitas.

Por sorpresa, Bruce ha dado un giro a su trayectoria con We shall overcome: the Seeger Sessions: el material allí recogido consiste esencialmente en canciones tradicionales popularizadas por el gran patriarca del folk, Pete Seeger. Un gesto con lectura política: Seeger es seguramente el "rojo" por antonomasia de su país, un personaje que sufrió las listas negras y ahora, a los 87 años, se ve reivindicado por la gran estrella del rock.

Pero también hay una apuesta estética detrás del homenaje. Se sabe que Pete Seeger es un hombre ascético, tanto en lo personal como en lo musical: aunque invita al público a que se una a su canto, su único soporte suele ser el banjo de cinco cuerdas. Springsteen ha decidido convertir su escenario en una fiesta: se presenta con The Seeger Sessions Band, una tropa de 17 instrumentistas y coristas que empujan cada concierto hacia una celebración comunal.

Digamos que Bruce se ha inventado algo que se podría denominar "folk & roll". Los metales sugieren una orquesta de dixieland de Nueva Orleans, el coro mixto se interna en el territorio sagrado del gospel afroamericano, hay instrumentos identificados con el country más ancestral, suena un piano de taberna. Gran audacia: el yanqui de Nueva Jersey ofreciendo su visión bohemia de las músicas del sur profundo. En el proceso, según las cámaras de la BBC, parece disfrutar como nunca.

Aunque los textos de este cancionero tiendan hacia lo sobrio y lo dolorido, Springsteen los introduce de forma jovial, alternando las bromas y los parlamentos explicativos. Los desarrollos de la Banda de las Sesiones de Seeger son extensos, con subidas y bajadas, con margen para solos. Eso explica que aunque Bruce Springsteen en concierto: the Seeger Sessions dure casi una hora allí sólo quepan ocho canciones. Canciones expansivas que invitan a dar palmadas, a acompañar los estribillos, a ser partícipes de la historia secreta de Estados Unidos tal como se conserva en la memoria de Pete Seeger y, ahora, en la de ese discípulo llamado Bruce Springsteen.

El sábado pasado, La 2 retransmitió en un inusual directo el concierto del gran Morrissey en Benicassim. Con una gran banda detrás, Morrissey dejó claro que su forma de interpretar y de moverse en el escenario (incluyendo su utilización de la bandera española como pareo, algo que enfureció a los nacionalistas de sábado por la tarde, seguramente...) es única e irrepetible. Es un artista, una personalidad marcada que, además, supo mirar atrás sin nostalgia, interpretando cuatro grandísimos temas de The Smiths: Panic, Still Ill, Girlfriend in a coma y How Soon Is Now?

Pero lo que todavía me sorprende es la actitud de mucha gente con la música. Incluso la prensa especializada habla de músicos, grupos y estilos como si se tratara de una competición, algo así como una Copa del Mundo de fútbol o un Torneo Cinco Naciones. Lo digo porque acabo de comprar El País y en la sección dedicada al repaso del festival de Benicassim me encuentro este titular:

Marcialidad contra elegancia - Franz Ferdinand se impone a Morrissey y a Rufus Wainwright.

Todavía no acierto a comprender qué se quiere decir con este tipo de cosas. Debo imaginar que Franz Ferdinand, y eso es algo de esperar porque son un buen grupo de guitarras que hacen canciones pegadizas y bailables, la lió literalmente y gustó muchísimo al público. Pero... ¿Ganar qué? Partiendo de que cada grupo, artista, músico o estilo tiene su propia forma de interpretar y de escucharse... ¿Cómo te impones al otro?

Bueno... Después podemos encontrar esa especie de friki que habla de una música en función de su rapidez o su volumen y establece competiciones de fuerza y de bestialidad. A estos normalmente no les gustan los Beatles ni nada blando o a medio tempo.

No es más que el curioso mundo de los gustos.

A falta de confirmar una fecha exacta, el 11 de Julio murió, debido a las complicaciones de la diabetes (otras fuentes aseguran que fue el cáncer), el que posiblemente sea uno de los artistas más influyentes de la música contemporánea. Syd Barrett era uno de los miembros fundadores de Pink Floyd pero, tras un disco y poco más, su estado psicológico digamos que llegó a extremos que la banda no podía permitir. Entró entonces el genial David Gilmour, pero esa es otra historia.

Barrett desapareció del mapa, algunos dudaban de que estuviera vivo. Se especulaba con miles de historias, una de ellas, que por lo visto se ha comprobado que era cierta, decía que vivía recluido en su casa con su madre desde hacía más de veinte años. Las drogas lo dejaron en un estado casi vegetal hasta que aparecían fotos como la que he decidido subir al weblog. Podríamos recordar su imagen de los sesenta, una década que él contribuyó a definir con sus composiciones y su psicodelia. Pero la foto de arriba define el estado de una leyenda como él, en su faceta más cotidiana, lejos de la música, afectado por una psicodelia que le duraba ya más de un rato.

En esta weblog no podía faltar un adiós triste y resignado a una de los mejores diamantes de la música moderna, que dejó de brillar demasiado pronto allá a mediados de los setenta.

Sus amigos de Pink Floyd, con David Gilmour a la guitarra en su sutitución, compusieron para él una maravillosa canción, Shine On Your Crazy Diamond, en el disco Wish You Were Here.

You reached for the secret too soon... You cried for the moon... Shine on your crazy diamond.

Wayne Shorter está considerado como uno de los más grandes compositores del jazz en toda su historia, a la altura de gente como Duke Ellington. Me pareció curioso el momento del vídeo instruccional del batería Gregg Bissonette en donde aconseja afinar la batería siguiendo la línea de contrabajo de Footprints, una de las mejores canciones de Wayne Shorter, interpretada por aquel inolvidable quinteto de Miles Davis en los sesenta (con Herbie Hancock, Tony Williams, y Ron Carter).

Este jueves Shorter ha colaborado con los encuentros de El Mundo.es  http://www.elmundo.es/encuentros/invitados/2006/07/2111/

4. ¿crees que Bitches Brew supuso un punto de inflexión en la forma de crear música? ¿erais conscientes de ello en aquel momento? ¿como recuerdas aquellas grabaciones?

La aportación de ese disco fue que pudo atraer parte del público de la música popular hacia el jazz. Aquello hizo que la gente a quien le gustaba la música pop fuese atraída hacia algo que para ellos, en aquel momento, era algo aún muy exótico. Pero creo que aquello ayudó a que más gente sintiese curiosidad por el jazz. Esa gente se interesó por descubrir, por ejemplo, a Charley Parker. Hay gente que cree que la música pop es música moderna, cuando en realidad la música popular es un producto muy antiguo que seduce a las masas, que automáticamente abrazan este tipo de música, pero sin ningún tipo de reflexión o ganas de investigar o de descubrir. La curiosidad en la música aporta una gratificación instantánea, en cambio, en los días de hoy se hace música para ligar, para que las chicas vean a chicos y los chicos a chicas. Es el tópico de "están tocando nuestra canción". En EEUU hay gente que incluso es capaz de votar en unas elecciones de la misma manera que escucha música pop.

3. Ante todo mi admiracion hacia usted. Me gustaria saber que escucha Wayne Shorter en su casa y en que formato, vinilo o cd? Gracias

No escucho discos ni CD. Si estoy buscando algo especial entonces puedo escuchar música de muchas películas, también oigo música de todas las partes del mundo... Lo que busco es saber si alguien se está arriesgando ahí fuera y dónde está. ¿Quién se atreve a salir de la zona cómoda del pop, de la música popular?

12. Usted formó parte de la banda de Miles Davis, el hombre que cambió el jazz para siempre. ¿Qué queda hoy del legado de Miles?

Herbie Hancock sigue experimentando... Ahora está tocando con un guitarrista africano y con una chica que toca el violín genial. Sigue experimentando, probando diferentes formatos... Ron Carter sigue escribiendo música para su grupo y yo seguiré haciendo muchas cosas diferentes. Lo que sucede es que nosotros queremos estar en compañía de quienes desafían a lo imposible. "Let's go to the galaxy".

Quisiera transmitir ese mensaje del señor Christopher Reeve y su mujer, y también Miles Davis y Bud Powell y Theolonius Monk, John Coltrane y todos los demás... Ese mensaje de "Go Foward". Tenemos que seguir adelante. Algún filósofo dijo que tus deseos tienen que estar siempre un poco más lejos de lo que puedas llegar a tocar, si no, estás en ese lado cómodo donde no queremos estar porque sólo produce la asfixia vital.

'Necesita descanso, pero seguro que estará listo para la primera noche de la gira', dice su agente

ELMUNDO.ES | THOMAS BURMEISTER (DPA)

LONDRES.- Ahora que Keith Richards se ha recuperado de la caída del cocotero que le llevó a quirófano, la gira europea de los Rolling Stones podría retomar la normalidad. Pero no es así: el guitarrista Ronnie Wood ha sido admitido en una clínica de desintoxicación de Londres para tratar su adicción al alcohol.

El rockero espera "regresar a casa" dentro de un par de semanas, según dijo su portavoz, quien aseguró además: "Necesita descanso, pero seguro que estará listo para la primera noche del tour europeo".

El tabloide británico 'The Sun' informa de que Wood, quien cumplió el 1 de junio 59 años, ha estado "pasándose" últimamente en lo que a fiestas y consumo de alcohol se refiere.

Los Stones tienen previsto proseguir con la parte europea de su gira mundial Bigger Bang el 11 de julio en Milán.

Las fechas de la gira ya fueron modificadas después del accidente de Keith Richards durante unas vacaciones en las islas Fiyi. De hecho, los conciertos que iba a ofrecer la banda en Barcelona y Madrid han quedado aplazados hasta el próximo año, si bien, por el momento, se mantienen las citas de Valladolid, el 14 de agosto, y El Ejido, el 16 de agosto.

Por cierto que, cuando Richards sufrió la caída del árbol, estaba con Ronnie Wood.

El alcohol y Ronnie, compañeros inseparables

La historia de Wood con el alcohol es la historia de dos viejos amigos-enemigos condenados a convivir. La revista de música 'Rolling Stone' reflexionaba burlonamente sobre el hígado de Ronnie Wood: "Con su nueva afición no se va a poner mucho más en peligro que con la antigua". Corría 2004 y el guitarrita acababa de descubrir el 'kickboxing' como alternativa a la borrachera sin fin.

Para los médicos y enfermeros del retirado complejo especial 'Priory Lodge' (especialista en problemas de adicción desde el alcohol y las drogas, pasando por el juego y el sexo), Wood no es un alcohólico anónimo. La prensa no sabe exactamente cuántas veces se ha sometido el músico, de 59 años, a una cura de desintoxicación. La última vez que estuvo en 'Priory' fue hace un año, en abril de 2005.

Después parecía que Wood tenía controlada su afición a la botella. Durante semanas participó sin problemas en la primera parte de la gira mundial 'A Bigger Band' de los Rolling Stones en Estados Unidos. Y todo se mantuvo así hasta que el viejo rockero se relajó demasiado entre palmeras hace un par de meses, poco antes de iniciar la parte europea de la gira.

Cuando su compañero el guitarrista Keith Richards —con una considerable cantidad de alcohol en el cuerpo— insistió en trepar una palmera y se cayó desde cinco metros de altura en las islas Fiyi, Ronnie permaneció sorpresivamente "dry and cool" (seco y calmado).

De nuevo enganchado a la botella

Pero luego llegó su cumpleaños el 1 de junio y apareció su amigo Ronnie O'Sullivan. Y como el club de moda londinense Sketch no quedaba lejos, decidieron darse una vuelta por allí. ¿Y qué daño puede hacer una copa? ¿O una detrás de otra?. Y ahí está, de nuevo enganchado a la botella. "El se había controlado tanto", se lamentó un amigo a la prensa en Londres. "Pero de alguna forma todo el estrés por lo de Keith y la gira ha sido demasiado", agregó.

Después de que el incidente de Keith Richards desembocara en una operación para eliminar un coágulo de sangre en la cabeza, hubo más malas noticias para los fans. La gira europea de los Stones, que tenía que comenzar el 27 de mayo, tuvo que aplazarse varias semanas.

Pero esta vez no habrá un nuevo aplazamiento. "Que no cunda el pánico. Ronnie estará en forma puntualmente para la nueva fecha de inicio (de la gira, el 11 de julio en Milán)", promete el portavoz del grupo. No obstante, estas palabras no pueden despejar todos los temores de los fans.

Muchos recuerdan ahora una de las entrevistas más tristes concedidas por Wood, cuando en agosto del año pasado el excelente músico dijo al dominical alemán 'Bild am Sonntag': "He perdido la batalla contra el alcohol, es mucho más fuerte que yo".

Esta weblog no sería nada sin él. Seguimos celebrando el año recien cumplido de johnpaulgeorgeringo.blogia, y lo hacemos también con Chuck Berry. Ahí lo tenemos en uno de sus característicos bailes con la guitarra...  Oh Maybelline...

El guitarrista de la banda Rolling Stones fue dado de alta después de que ingresara a un hospital en Fiji, a causa de una fuerte conmoción cerebral, motivo por el cual tuvo que suspender las  placenteras vacaciones que tomaba al lado de su mujer, la ex modelo Patti Hansen.

El diario Wellington’s Dominion Post informó que este músico cayó de una palmera de cinco metros de altura ubicada en Wakaya, exclusivo resort en donde pasaba unos días de descanso, pero donde los excesos también estuvieron a la orden del día, pues se dice que consumió demasiado ron y vodka al lado de su compañero de grupo Ronnie Wood.

Otros medios neozelandeses aseguran que después de este incidente, Richards de 62 años, se volvió a caer pero ahora de un jet ski, versión que nunca fue confirmada.
 
Por fortuna esta conmoción cerbral no fue considerada como grave, fue por eso que el gerente del hospital Mercy-Ascot, Geoff Sparks, confirmó que la estrella “no figura ya como paciente en este centro de salud. Ha sido dado de alta”.

No se trata de una broma, no. El guitarrista de los Rolling Stones se ha caido de un cocotero al que se subió para coger unos cocos mientras pasaba unas vacaciones en Nueva Zelanda con su mujer y su amigo de los Stones Ron Wood. La noticia sigue con que lo tienen que intervenir porque al parecer tiene coagulos en la cabeza. Desde luego es una noticia absurda que solo puede protagonizar un miembro de los Rolling Stones como Keith.

Esperamos que se recupere y que, despues de sobrevivir a cuarenta años salvajes de sexo drogas y rock’n roll tenga cuidado con los cocoteros y supere este accidente. De momento, el bueno de Keith ha dejado un memorable comentario en la weblog que podeis leer estos días. Adjunto la noticia.

A veces nos concentramos en un increíble kit de batería, con sus innumerables platos y timbales de grandes dimensiones. Perdemos de vista al batería, a la persona, a los pequeños detalles. Por eso, esta fotografía, perteneciente a un estudio sobre Neil Peart, me parece muy interesante.

Después de todo, un batería es esto.

Esta fotografía del genial Neil Peart, un mito que afortunadamente tenemos todavía vivo y en plena forma, es el mejor guiño que puedo hacerles a los amigos de Batería Total. Desde aquí, mi agradecimiento no sólo por el impresionante regalo, ese nuevo DVD  que estoy deseando disfrutar y comenzar a sacarle partido (no os quepa duda) sino por el detalle, el gesto, el significado que tiene para mi. Dar a conocer mi weblog a los lectores de la revista supone un honor y un lujo. Sin duda, en estos casos, el rubor y la sorpresa te dejan sin palabras que decir. Así que, tal como titulo este nuevo artículo:

¡Gracias y bienvenidos!

Han sacado dos discos, no sé cual de los dos mejor, pero uno está deseando que saquen el tercero y se dejen de esperas. The Thrills es un grupo que os recomiendo. Son maestros con los medios tempos. Deckchairs and Cigarettes y Hollywood Kids, del album So Much For The City,  son monumentos más que canciones, con silencios, pausas, sonidos lánguidos, partes de piano, órgano y harmónica preciosas, letras sarcásticas...  Para deleitarse. Sus canciones están llenas de matices, de trabajo, de gusto. 

Sin duda, no  se creen dioses, como otros grupos de su misma edad y menor calidad, y son humildes a la hora de declarar sus grandes y muy visibles influencias que son, entre otros, Bob Dylan, Neil Young, Beach Boys y toda aquella música que suene a día soleado en California o San Diego. Resulta curioso que sean irlandeses.

Aquí en España, todavía andamos descubriendo nuevos artistas. David Bisbal y Chenoa, por ejemplo. Pero, no tengas dudas. Se acerca el buen tiempo y el sol comienza a calentar. The Thrills se escuchan mejor que nunca. Basta con seguirles la pista y tendras otro grupo más para disfrutar de la buena música.

 Os adjunto esta noticia que acabo de leer en La Voz de Asturias. ¡Tiene muy buena pinta!

 ¿Están los seguidores de la E Street Band preparados para otro disco de folk de Bruce Springsteen? ¿Y si además es uno de versiones? Pues que se vayan preparando, porque The Seeger sessions es el nombre que se está barajando para titular la próxima obra del Boss . Un disco que, si no hay retrasos de última hora, saldrá a la venta a principios de la primavera. Se trata de una colección de versiones de piezas de Pete Seeger, el padre de la canción folk estadounidense del siglo XX con permiso de Woody Guthrie.

Uno de los primeros mentores del joven Bob Dylan. Una leyenda viva --en su caso sí puede decirse que es una leyenda sin caer en la exageración-- que cumplirá 87 años el próximo 3 de mayo.

Pionero de lo que se dio en llamar la canción protesta en los años 50 y 60 y autor, coautor o adaptador de muchos de los himnos populares del revival folk, como Where have all the flowers gone, If I had a hammer, We shall overcome y Turn, turn, turn , Seeger inició su carrera en solitario en 1958. Antes había dejado su huella en formaciones como The Almanac Singers (que fundó junto al citado Guthrie) y The Weavers.

MODELO ETICO Y ESTETICO

En su carrera siempre ha estado presente el compromiso político y social, y él mismo nunca ha escondido su militancia comunista y socialista --más bien al contrario--, lo que le ha acarreado multitud de censuras, insultos y todo tipo de trabas en su país.

No es casualidad que Bruce Springsteen lo eligiera como modelo, tanto de conciencia como estético --copió los pantalones y camisas que Seeger llevaba durante el período 1967-1969-- cuando salió a la carretera para presentar el disco acústico The ghost of Tom Joad .

Durante las últimas semanas Springsteen ha estado grabando en un estudio y en formato acústico una serie de piezas de Pete Seeger, algo que ya hizo en 1998 cuando fue invitado al disco de homenaje al histórico cantautor Where have all the flowers gone . En aquella ocasión, Bruce registró ocho canciones de su combativo héroe, aunque finalmente sólo publicó una espléndida relectura de We shall overcome en el citado tributo.

Las canciones que aparecerán en su inminente nuevo disco son grabaciones recientes, no aquellas de hace ocho años. Springsteen está sopesando la posibilidad de volver a salir de gira en primavera para tocar las canciones de Pete Seeger junto al material de su último trabajo de estudio, Devils & dust , y una selección de su vasto repertorio.

Que no teman los que prefieren ver al Boss aferrado a su Fender Telecaster. La publicación de The Seeger sessions no eliminaría de la agenda del cantante la próxima grabación de un nuevo disco con la E Street Band.

De hecho, Bruce ha afirmado que dispone de varias piezas inéditas destinadas a ese proyecto y ha manifestado su intención de seguir contando con su banda de toda la vida de cara a dar salida a su repertorio de vocación más mayoritaria.

En ese sentido, y en una entrevista concedida recientemente a la cadena de radio digital Sirius, Springsteen ha reconocido que aún le divierte escuchar su música por la radio. No es extraño que el programa E Street de esa emisora estadounidense le haya parecido "fascinante", pues durante tres meses --hasta el 31 de enero, en que finalizó sus emisiones-- ha pinchado en exclusiva música del Boss , la mayor parte grabaciones inéditas y conciertos procedentes de colecciones particulares de fans.

"Cuando Nebraska se editó, casi no sonó por la radio; tampoco lo hizo The ghost of Tom Joad, ni gran parte de Devils & dust", precisó Springsteen en esa entrevista.

Todo indica que The Seeger sessions formará parte de ese selecto club. Porque, ¿cuándo fue la última vez que se escucharon en una radio comercial las canciones de Pete Seeger?

Bueno, el artículo que le quiero dedicar a Jeff Porcaro nunca lo termino. Es mejor escuchar las canciones en las que tocaba o leerle en alguna entrevista.

De todas formas, he recibido un interesante comentario de Javier que se ha colado mientras estaba reescribiendo el artículo (que al final no he publicado) y la pena es que no he podido recibirlo entero. Me estaba enganchando pero se corta a la mitad.

Estoy de acuerdo Javier, no se hacen canciones como las de antes, en general... Cada vez más, los bateristas se limitan a marcar el tempo y nada más. Creo que todavía quedan por ahí algunos baterías que hacen maravillas sin tener que hacerse solos, por ejemplo Steve Gadd (que lo tienes en Chuck E’s In Love de Rickie Lee Jones, que es un shuffle supercomplicado o en 50 Ways to Leave your Lover de Paul Simon) o Abe Laboriel Jr. este más joven, un tío grande y gordo pero de lo más elegante y sutil...

Respecto a los solos, según le he leído en alguna entrevista, no le gustaban (Pasa igual con gente tan buena como Ringo Starr o Stewart Copeland). Era muy conocido por ser un músico que tocaba para la canción, haciendo este trabajo de embellecer la melodía que tu dices, sí señor, eso es muy muy complicado. De ahí que Porcaro trabajara fundamentalmente como músico de sesión. Si hubiera intentado demostrar todo lo técnico que era desde luego que no habría hecho ni la mitad de sesiones que hizo. Te imaginas, jejeje! en medio de una balada para Leo Sayer, ¡plim! se marca un solo... y lo echan del estudio a patadas...

Escuchando un disco como el Silk Degrees de Boz Scaggs o temas como The Pretender de Jackson Brwone, puedes hacerte una idea de su manera de trabajar para el resto de los músicos.

No te preocupes que a mi tampoco me gustan los solos salvo los de John Bonham, que considero monumentos y cátedras de percusión, también los de Max Roach o Tony Williams, en general, los solos de los bateristas de Jazz me suelen gustar bastante. Los solos más famosos del rock de los setenta (Ginger Baker, Keith Moon, rock progresivo y compañía) no suelen gustarme. Son unos pesados, duran demasiado. Me duermo.

Para mi, lo más complicado de tocar la batería, lo más difícil de conseguir, es tocar para la canción, acompañar de forma brillante. Por encima de solos llenos de técnica o malabarismos de circo.

En ese sentido, Porcaro es el mejor ejemplo de este tipo de acercamiento a la batería. Era un genio con mucho gusto.

Se fue demasiado pronto.

Sí señor. Javier, prestigioso y fiel seguidor de mi weblog, se merece esta fotografía de Jimmy Page con la principal de sus innumerables guitarras, unas Les Paul del 59, su guitarra favorita o por lo menos con la que es más reconocible. En la fotografía, su forma típica de tocar la parte central del Dazed and Confused, algo que cuando vi por primera vez me impresionó bastante. Sin duda, uno de los más grandes genios del rock. Por cierto, al fondo, la legendaria Ludwig Vistalite Acrílica de John Bonham, color naranja.

A punto de cumplir los 75, está en perfecto estado. Aunque, todo hay que decirlo, le costó coger carrerilla, porque desde que se inventó en 1931 hasta que se popularizó transcurrieron más de veinte años. Cuando Adolph Rickenbacker creó una pastilla magnética que hacía sonar más fuerte la guitarra de toda la vida, ignoraba que iba a dar lugar a una nueva manera de hacer melodías. El sonido suena amplificado por el campo magnético que se crea entre la pastilla y las cuerdas metálicas. La Fender modelo Stratocaster (1950) es legendaria. Se sabe que David Gilmour, guitarrista líder de la banda Pink Floyd, posee la guitarra número 00001 de esta serie.

MANIFIESTO LIBERACIÓN 

 Ahora que la Compañía RCA-BMG Ariola me ha dado la carta de libertad, aquí en mi casa, escuchando el “Plastic Ono Band” de John Lennon, escribo este pequeño manifiesto para sacarlo de mi cabeza, esta  Canción de Redención  que, como decía Bob Marley,  es todo lo que tengo, mientras mi corazoncito hierva, como  cantaba Camarón….
       ¿Qué puede hacer una persona que piensa diferente, que cree en la diferencia como fuente de libertad y riqueza en estos tiempos en los que pensar en público en contra de la idea establecida es casi prohibitivo y contraproducente?  Domina un pensamiento único: el dinero, el poder. Y no es eso lo que me hizo abrazar esta profesión de músico y autor, ya lo veis por mis maestros. ¿Qué voy a  hacer? : Lo que siempre hice, luchar, ser paciente, disfrutar de los pequeños logros que son la sal de  la vida; y aprovechar la libertad de Internet mientras nos la dejen. Tengo  una ventaja, que llevo mucho andado y cuento con la complicidad de mucha gente que no se avergüenza de ser minoría, y eso no es fácil de destruir.
      Muchos de vosotros me conocéis desde el  “Cantecito”, pero el Lobo López llevaba ya tiempo dando sus pataitas. Mi primer grito fue con “Veneno”, 1977, junto a Raimundo y Rafael Amador. Me gustaban los conjuntos, esa asociación juvenil por la música y la liberación que marcó mi generación… y las que vinieron después.  Si soy políticamente incorrecto ahora, imaginaos  cuando tenía 25 años. Me decían que me adelantaba a mi época. Claro, el negocio lo hicieron más tarde. CBS  vendió más de 300.000 copias de “Veneno” a precio reducido: según el contrato, no sólo no tenían que pagarme royalties, es que no tenían ni que comunicarme  la cifra de ventas.
     Hasta 1993 no pude vivir de la música. Había firmado con BMG, y la gira “Juan Perro y Kiko Veneno vienen dando el cante”, con aquel maravilloso cartel de Max, relanzó mi trabajo. Por supuesto, la gira la ideamos y organizamos nosotros, el crédito de Santiago Auserón fue mi gran aval. ¿Alguien recuerda alguna publicidad, promoción o algo parecido? Simplemente no existió.
    Pero yo era feliz, por fin mi sueño se estaba realizando, me dieron disco de oro y firmé ampliación de contrato por 5 discos más. ¡Qué ingenuidad la mía!  Había firmado la esclavitud, en la Compañía no me apoyaban ni creían en mí, sólo querían tenerme bien atado. Ya el disco del “Cariño” no les gustó tanto, no era tan bueno como el anterior, ya vieron que yo me mantenía en mi línea, que me interesaba más el arte que la publicidad, que conmigo no podían, y así no se fabrica un superventas. Nunca me hicieron promoción, jamás una canción mía sonó en “Los  Cuarenta”. Se negaron a publicar mis discos fuera de España, ni Francia, ni Argentina, ni Alemania… ni Portugal, con lo que cortaron de raíz mi derecho a difundir mi música en otras latitudes El video-clip de “Menfis Blues” se hizo, a regañadientes, y con un presupuesto mínimo. No cobró nadie. Y eso que Santiago Segura, el director, empezaba a despuntar en Madrid.
    Cuando me fui a Tarifa a grabar “Punta Paloma”, ya llevaba la puntilla dada. Se veía todo claro. Yo respondí con mi disco más experimental. Pero  me cortaron el suministro: el disco se quedó sin terminar, no me dejaron darle la segunda mano a las voces, ni ir a Londres a mezclar con Joe Dworniak. Hoy escucho este disco con emoción y con mala leche. Esos sonidos guitarreros, esos ambientes, ¿para quién son? Antes de publicarlo, la Compañía ya había tirado el disco a la basura. No es que no lo defendieran, es que se molestaron personalmente en hablar mal del disco y de mí.
     Lo que me quedaba era el calvario, cumplir el contrato. Ni siquiera me dejaron hacer un disco en directo. Así nació “Puro Veneno”, en directo y en el estudio, o sea, sin la fuerza del directo y sin el presupuesto del estudio. Yo no podía decepcionar a mi público, pero ¿con qué ilusión puede uno hacer canciones para que se las tiren a la basura? “La Familia Pollo” ha sido el último trago.
   Bueno, por fin he llegado al final, espero no haberme puesto demasiado dramático. “Un ratito de gloria” es, según ellos, lo que he tenido en la música española (mientras me lo han consentido). Un ratito de liberación es lo que quiero compartir con vosotros, no puede ser que el negocio de la música esté todo en manos de quienes no la aman ni la respetan. Os lo digo para que aprendáis de mi experiencia, necesitamos libertad. Sé que hay gente valiosa todavía, pero las van arrinconando. Sé que hay Compañías independientes, pero las van devorando. No puede ser que  sólo interesen  los grandes pelotazos, que a todos nos tenga que gustar lo mismo. No se respeta suficientemente el derecho de las minorías a expresarse y a elegir la música que les dé la gana. Radio3 sola no puede hacer democracia. Hay demasiados artistas dependiendo de los caprichos de unos cuantos funcionarios. Necesitamos toda esa fuerza, esa creatividad que nos están mutilando...¡Ojú!
Bueno, por lo menos he podido llegar hasta aquí. He sentido la liberación en mis carnes y quiero seguir disfrutando de la música. No me lloverán las ofertas, y menos después de este manifiesto, pero ¡y lo agustito que uno se queda!  Procuraré en adelante medir bien los pasos,  entregar mi música a quien crea en ella y la defienda.  Lo importante es disfrutar, comunicar, y sobre todo, ser libre. Como decían los dibujos animados, esto es todo por hoy, amigos. Salud y hasta pronto

 Kiko Veneno

Ya era hora de comenzar de nuevo este weblog que, como Cuatro, esa cadena que sacan ahora, pretende contar la realidad desde un punto de vista fresco, original, revolucionario y hippy. Su creador, yo, lleva flores en la cabeza y canta canciones de los Byrds cada mañana. Al igual que Polanco y Gabilondo, practico la meditación trascendental.

 ¿Cómo?

Bueno, a todos los que decidan entrar a echar un vistazo, bienvenidos a este remanso de cultura occidental. A ver, lo que más me ha llamado la atención últimamente en lo que a música se refiere es el nuevo disco de Robbie Williams, Intensive Care. Es curioso que este tío suena a veces a Lou Reed mezclado con David Bowie y a mi me da que este disco es bueno aunque todavía no lo he escuchado entero. Tripping, el single, lleva un falsete genial en el estribillo; Make Me Pure es cínica, muy pop, casi lo que Oasis dejaron en el camino, que viene este y lo hace mejor y más original; Spread Your Wings tiene la chulería de Lou Reed... Se nota que en la producción y en la interpretación (¡ay!esos rellenos de batería de Tripping, ¿quien será el genio desconocido que los ha hecho?) Robbie Williams tiene lo mejor del pop inglés actual. Bueno, a seguir escuchándolo... De momento, bajaros Tripping... Robbie Williams dice que es una ópera mini-gangster. ¿Qué es una ópera mini-gangster?