Año 2012. Obama, golpeado por cuatro años de presidencia, acaba así, en el cuarto de su casa. Tras haber visto cantidades ingentes de corrupción, traición y sinverguenzería, decide consagrar su vida al ritmo. Hamburguesas y ritmo. Desde por la mañana.
Bueno, dejémonos de gilipolleces. Este maestro se llama Bernard Purdie. Podéis escucharlo en miles de discos. Fijaos en cómo toca a la contra con las yemas de los dedos el parche de la caja. Casi ni se percibe.
Me he levantado bastante McCartniano. De hecho, acabo de ver este vídeo y lo cuelgo. Tiene cierta elegancia que me gusta. Memory Almost Full es el último de Paul. Lo sacó con Starbucks.
Una selección de temas nuevos que acabo de escuchar y que podemos ir comentando. Para escucharlos, un pequeño click en la cinta...
Elbow - Grounds for Divorce, One Day Like This, más una curiosa versión de Independent Woman, de las Destiny’s Child
Manchester. Temas de gran calidad. Recientes ganadores del premio Mercury. La prensa inglesa suele inflar globos para luego explotarlos nadie sabe muy bien cómo. No es este el caso. Este grupo tiene ya otros tres discos y la suficiente calidad como para que lo escuchemos con atención, sin prejuicios.
The Killers - Human
Primer single del su tercer disco. The Killers tienen un sonido grande, expansivo, una mezcla ochentera que siempre me ha parecido muy The Cure. Are We Human?
Cold War Kids - Something Is Not Right With Me
Californianos, de Long Beach. Imperfectos, caóticos, espontáneos, vivos, fuertes, desafinados, lo que sea. Anarquía. Únicos y mis preferidos.
The Verve - Love is Noise
Ese repetitivo sample vocal es, no podría ser de otra forma, la marca de la casa de un tipo como Richard Ashcroft. Vuelve a escribir sobre la fragilidad de los amantes como en aquel A Song For Lovers.
Keane - Spiralling
Esta vez sí, una buena melodía tras el fracaso de Under the Iron Sea.
The Coral - Being Somebody Else
Sencillos, elegantes. Un grupo genuinamente inglés y esta canción es eso, campiña inglesa, paisajes verdes y una vaca pastando allá a lo lejos...
Pink Floyd - Astronomy Domine
Un homenaje al recientemente desaparecido Rick Wright, teclista y miembro fundador de Pink Floyd. En Astronomy Domine comparte la parte vocal con Syd Barrett, una canción del primer album de Floyd, The Piper at The Gates of Dawn.
Jeff Beck - Nadia
Sin comentarios.
Jeff Beck, sin comentarios. Siempre me gustó este tema suyo. Detrás, el maestro Vinnie Colaiuta a la batería.
Admiro de manera especial la música y los músicos de Pink Floyd. Cada vez que escucho sus discos inciales no dejo de admirar las ideas, la sensibilidad de un grupo de músicos extremadamente creativos, increíblemente originales.
Recientemente se ha ido Rick Wright, miembro fundador del grupo, el gran arquitecto del sonido de Pink Floyd, el MÚSICO con mayúsculas, un hombre callado, tímido, como de segundo plano... Un tipo culto, un verdadero músico que sacaba sus referencias de cosas como So What de Miles Davis para convertirlas en algunos de los acordes de un disco legendario y todavía hoy maravilloso como es The Dark Side of The Moon. Desde aquí mi homenaje a este grandísimo músico integrante de uno de mis grupos favoritos.
Arriba, el vídeo de Arnold Layne para la BBC con David Bowie de invitado. En los teclados, cómo no podía ser de otra forma, el gran Rick Wright, que vuelve a tocar uno de esos solos característicos de la época de The Piper at The Gates of Dawn.
Abajo, el homenaje de David Gilmour a su amigo en el show de Jools Holland para la BBC. Fue hace cuatro días y preparó una versión especial del Remember a Day un tema de Rick Wright para el album de Pink Floyd "A Saucerful of secrets" Además, la entrevista a Gilmour, bastante interesante como siempre.
Kiko Veneno hace un repaso a su carrera para el programa La Madriguera de Diego Antonio Manrique. Interesante escucharle recordar anécdotas de sus primeros pasos y comentarios y pensamientos de sus comienzos en la música. Podéis pinchar en los iconos para escuchar la primera y segunda parte del programa.
El grupo actual que más me gusta, llenos de creatividad, estilo, fuerza, melodía, irreverencia, imperfección, espontaneidad. Tengo que verlos algún día, tienen que venir a España. Un grupo especial que saca en Septiembre su segundo album, Loyalty to Loyatly.
Richard Aschcroft seimpre me ha parecido un buen compositor, con estilo, con personalidad. Hace el tipo de música que más me gusta escuchar. Y ahora vuelve con The Verve. Da lo mismo. Sus buenos discos en solitario eran una continuación porque él es The Verve. El nuevo single que ya suena en la BBC es Love Is Noise. Y nada más escucharlo te atrapa ese sample repetitivo muy típico de Aschcroft.
Cuando Harry Manning entró en el estudio 2 de Abbey Road cerró los ojos y comenzó a fumar marihuana. Se hizo tres porrros así, sentado al piano, recién llegado, los ojos cerrados y las manos suaves, delicadas, alisando sigilosas un merecido papel de fumar. Harry Manning era una estrella. Cuando Bob Dylan lo conoció le pidió un cigarro. Se decía que si Dylan te pedía un cigarro en lugar de un papel de fumar eso quería decir que te tenía respeto. Absurdas teorías del rock aparte, Harry Manning tenía momentos increíbles. Como cuando entró en el estudio 3 de Wilkinson Avenue y besó a la mujer de su jefe en lo alto del piano de cola. Fue despedido de la sesión pero acabó casándose con ella y componiendo su primer número uno, Married and Fired. Manning tenía vértigo pero a veces parecía venir de las alturas...
Aquel día de verano, Manning y su banda, los Four Tulipas, descansaron en un bar de putas. No descansaron quiero decir. Manning avisó al productor, Ricky Romino, y grabó la primera toma. Take 1. Horrible. Romino era un tipo desagradable, susceptible hasta la saciedad. Además, Manning advertía que un tipo cuyo nombre rimaba con pepino no podía ser tomado demasiado en serio. Y no lo fue, efectivamente. Grabaron la segunda toma y entonces Romino... Romino fue a por el pepino y no volvió, en palabras del propio Manning. Para la tercera toma el nuevo productor, un pequeño genio que pasaba por el pasillo, pidió a Manning que gritara más alto, como un gorila. El resultado, la peor interpretación vocal de la historia. Con la banda de vuelta al bar de putas y la cabeza de Manning a punto de estallar, el manager decidió dejarlo en manos del productor y se fueron a casa. El productor, él solito, sacó el disco al mes siguiente. Lo enseñó al grupo y les pareció bien. No habían tocado ni una puta nota pero ya estaban preparados para la gira.
En España el disco, incomprensiblemente, se llamó Días de Blues.
La noche es el momento propicio para acordarnos de este album, toda una rareza y todo un descubrimiento. Se trata de una sesión histórica que unió en 1965 a dos grandes artistas que mezclaban de manera subversiva dos tradiciones diferentes pero no incompatibles. Por un lado, Mick Jagger, con la tradición blues impregnada de la nueva y creciente carrera que en esos momentos protagonizaba con The Rolling Stones. Por otro lado, Sabicas, guitarrista flamenco que, desde el purismo y la técnica más depurada, traspasaba el umbral de los reaccionarios y se adentraba en terrenos distintos, sorprendentes, inimaginables para un músico flamenco en aquel justo momento. Fue Sabicas quien aconsejó a un joven Paco de Lucía para que dejara la buena senda del Niño Ricardo y comenzara una especial e inimitable carrera en solitario que todos conocemos. En fin, digamos que fue el encuentro de dos músicos abiertos, flexibles, desaprensivos y ajenos a la crítica cerrada.
Pero vayamos desgranando los temas. El fandango no es sólo un gran palo del flamenco. La descendente armónica del La menor, Sol mayor, Fa mayor, Mi mayor procede del Barroco y parece que Jagger entiende esto cuando canta Stormy Monday y lo adapta a los campos andaluces, a las praderas aceituneras, a los terrenos áridos y secos, a las frentes sudadas y las jornadas de sol a sol. Sabicas responde con el instrumental No aparece ni en la nada, que transmite un sincero adormecimiento mientras Jagger parece tocar las castañuelas. Sin duda hay algo mágico en el final de la primera cara del vinilo, un giro que cruza caminos con Crossroads y conecta la discutida autoría del Fandango para clavecín de Antonio Soler con la melodía popular de The House of The Rising Sun.
Por último, un guiño en toda regla, un magnífico final cantado y orquestado alrededor de la melodía de Eric Burdon, Don’t Let Me Be Misunderstood. Algo así como un tirito a los puristas, a los cerrados, a las mentes que sólo ven un color y no quieren abrir la puerta al aire fresco. Jagger y Sabicas se disculpan. Sólo son dos hombres cuyas intenciones son buenas y que tratan de divertirse. Dejando una joya de la fusión sin intenciones fusioneras. Practicando la fusión sin querer llevar la bandera de la fusión a ningún sitio. Mezclando sin mezclas la naturalidad de dos personalidades.
Entre el personal de la sesión, llevada a cabo en Los Ángeles, estaban entre otros el gran batería de sesión Hal Blaine. Se dice que Blaine trajo discos de Antonio Molina para Jagger. Incluso llegó a colocar un enorme poster en el estudio. A Mick aquello le parecía fantástico: "No Drugs, mister Sabicas. In the memory of Antonio Molina"
Simplemente nos tenemos que quitar el sombrero: los adjetivos de mito, maestro, genio.... Todo se intuía al verlo llegar al escenario, con un paso tranquilo, mirando al público con ojos de topo, moviéndose con el empaque de sus casi setenta años y el enorme bagaje musical y literario que representa. Si encima Dylan se rodea de una banda como la de ayer, entonces lo tienes claro: no importa nada más que la música.
Ni las modestas luces, ni una mitad de público irrespetuosa e incapaz de callarse ni siquiera ante una banda o un mito así (imagino que estarían más callados ante una insulsa estrella del cante jondo, pero no lo quiero ni pensar...), ni una entrada modesta, ni unas canciones casi irreconocibles hasta para el mayor de los fans, ni el marketing (que se palpaba inexistente), nada, absolutamente nada importaba salvo la música, la música, pura y dura.
Con una puesta en escena tan discreta y sobria Dylan nos está avisando: a la mierda todo lo demás. Música y luego llámalo como quieras. No le hace falta ni siquiera buen rollo con el público. Fue rigurosamente puntual (lo cual es ya un respetuoso guiño hacia el público, a mi manera de entender la puntualidad) y luego dio dos horas de rythm’n blues y hasta rock’n roll al viejo estilo, generada desde una banda formidable, enorme, todos y cada uno de sus miembros. Imposible de explicar, para qué vamos a hablar. Hay que verlo.
Mis respetos por un planteamiento tan directo y tan genuino de la música.
Y me río de los que decían aquello de "¡qué cara es la entrada!". Y yo lo afirmo, es muy cara. Y también, visto lo visto, la volvería a pagar otra vez para ver un espectáculo musical así.
Por cierto, escalofriante versión de Masters Of War. Quizá eso ya valió la entrada.
Este fue el tracklist que circulaba por internet ya a la una de la madrugada.
| 1. | Leopard-Skin Pill-Box Hat (Bob on keyboard) |
| 2. | If You See Her, Say Hello (Bob on keyboard) |
| 3. | Rollin’ And Tumblin’ (Bob on keyboard) |
| 4. | Tangled Up In Blue (Bob on keyboard) |
| 5. | The Levee’s Gonna Break (Bob on keyboard) |
| 6. | Mississippi (Bob on keyboard) |
| 7. | John Brown (Bob on keyboard) |
| 8. | Honest With Me (Bob on keyboard) |
| 9. | Girl Of The North Country (Bob on keyboard) |
| 10. | It’s Alright, Ma (I’m Only Bleeding) (Bob on keyboard) |
| 11. | Beyond The Horizon (Bob on keyboard) |
| 12. | Highway 61 Revisited (Bob on keyboard) |
| 13. | Nettie Moore (Bob on keyboard) |
| 14. | Summer Days (Bob on keyboard) |
| 15. | Masters Of War (Bob on keyboard) |
| (encore) | |
| 16. | Thunder On The Mountain (Bob on keyboard) |
| 17. | Like A Rolling Stone (Bob on keyboard) |
(Rene & Mark for the email)
| Band Members Bob Dylan - keyboard, harp Tony Garnier - bass George Recile - drums Stu Kimball - rhythm guitar Denny Freeman - lead guitar Donnie Herron - violin, viola, banjo, electric mandolin, pedal steel, lap steel |
El caso es que la nueva sección de JohnPaulGeorgeRingo tiene por protagonistas discos perdidos, rarezas que nadie salvo algún avispado de mercadillo puede encontrar. El primer ejemplo es este Harry Belafonte Sings the Saeta que adorna la pared de una de mis habitaciones. Se trata de un disco visceral, lleno de la magia misteriosa y casi de vudú que emanaba el gran Harry Belafonte. Editado tras la negativa del Copacabana a Belafonte por su color de piel (luego, años más tarde, él encabezaría el cartel del mismo Copacabana. Harry era un tipo duro) Belafonte Sings the Saeta es de los discos más inusuales de su carrera. Se suceden temas cantados con la cadencia del martinete, con quiebros flamencos que uno jamás pensaría. Impregna a la saeta de aires musulmanes, la lleva al norte de áfrica, la trae desde Granada hasta Cádiz.
Trasciende la Semana Santa, la religión, el culto. Belafonte se convierte en un vudú que canta saetas desde un balcón a santos que comienzan a tenerle miedo al que canta. Y ciertamente es escalofriante escucharle cantar una saeta con quejío mientras suenan los tambores lejanos, más cercanos a los tambores de guerra del general Custer que a las bandas de cornetas y tambores. La National Percusion Center Band aporta al disco un aire lejano, cadencioso, cajas tocadas en los bordes, complejos ritmos que enlazan la tradición de Haití con la tradición andaluza del cante jondo. Ritmos Mozambiques, incluso una aportación rítmica a lo Bo Diddley en medio de una saeta de Sábado Santo.
Belafonte aporta una visión distinta a la oración cantada: parece estar cantando saetas desde un campo de algodón. Y lo hace con la convicción de un convicto, quizá encaramado a un tren de carga que lo deje muy lejos, donde pueda cantar tranquilo las saetas provenientes de España.
Una canción de sin vergüenza, un tema suave y dulcemente repetitivo, que se mete en la cabeza, en los pies, en el espíritu. Te puedes llevar una semana poniendo el lime in the coconut, respondiendo a todo el mundo que pongan el lime in the coconut, reduciendo la vida a poner el lime in the coconut. Y ese final apoteósico, lleno de locura y sinvergüenzería. Y qué bueno era el bueno de Harry Nilsson. Y menos mal que no fuimos a su casa... En la fotografía, Nilsson ofrece una tostada con aceite y jamón a sus visitantes.
Conocí por primera vez a los Lovin’ Spoonful como integrantes y actores de una banda que aparacía en una de las más extrañas y surrealistas películas que haya hecho Woody Allen. Se trataba del redoblaje, con guión de Woody Allen, de una película japonesa de espías. Es decir, la película estaba ya hecha pero el de Manhattan les dobla las voces y hace otra peli distinta... Total, que gracias a este film conocí a uno de los mejores grupos de los sesenta. Hace poco, a propósito de Disraeli Gears de Cream, Eric Clapton hablaba de ellos como una gran influencia. De hecho este Summer in The City tiene algo que ver con algún que otro tema de Cream, aunque parezcan bandas tan distintas...
En el vídeo, un verdadero temazo que espero que os guste. Por cierto, Joe Cocker tiene una buena versión de este tema.
Cuando escuché Tell Her Today, me di cuenta de que era una verdadera obra maestra de este músico de Londres. Su disco Skybound es más que recomendable. En el vídeo, un dj de la radio alemana le pide que improvise Billie Jean de Michael Jackson. A Tom Baxter le sale esto... Es sorprendente por cuanto BillIe Jean no es un tema del repertorio de Tom Baxter.
Me gusta un aspecto de la personalidad de Bob Dylan que a otros les puede parecer frustrante o incluso aprovechado. Después de corroborarlo en el excelente documental de Martin Scorsese "No Direction Home", me da la impresión de que lo que Bob Dylan quiere ser, decir o hacer no tiene nunca nada que ver con lo que la gente (prensa musical, aficionados, fans, detractores, intelectuales estudiosos, intelectuales poco estudiosos o incluso poco estudiosos intelectuales...) cree que él es ni con lo que dicen que dice o que hace. Cuando menos te lo esperas, Dylan te sorprende para bien y para mal. Es algo que parece bastante evidente y sincero en las palabras de Joan Baez en el citado documental de Martin Scorsese. Se escapa continuamente, vive y respira una personalidad marcada, única, libre, desprendido de etiquetas y de compromisos. El compromiso lo marca él, parecen transmitir las palabras de Baez, en función de sus propios intereses. Una pauta que Dylan ha repetido desde siempre.
En el vídeo, sencillamente una joya, Dylan acompañado por unos músicos que luego formarían The Band, entre ellos Robbie Robertson. Una banda exquisita, de lujo. Y el momento, uno de los más delicados de la carrera de Zimmerman: su cambio eléctrico, una de esas jugadas que no ha parado de repetir en su vida, a diferente escala y con diferentes razones... En el vídeo, tal y como ocurría en aquel momento, le llamaban Judas. Él responde con un "Eres un mentiroso. No te creo" Y acontinuación le grita a la banda que toquen bien fuerte la entrada de Like A Rolling Stone.
Al cabo del tiempo, volviendo a contrariar tranquilamente a todo aquel que pretenda juzgarle y ponerle una etiqueta, Judas Dylan dejó el judaísmo y se convirtió al cristianismo.
Saboreemos su próxima llegada a Jerez con una buena revisión de su carrera y sus discos.
How Does It Feel to be Bob Dylan?
Lo de las nuevas reuniones llega a ser ya cansino, repetitivo, poco estimulante. Genesis, Eagles, The Police, Van Halen, Led Zeppelin, etc. Que vuelvan a tocar juntos músicos que, por lo demás, no son precisamente mediocres, todo lo contrario, puede parecerme atractivo e interesante. Pero hay algo de contradictorio en todo esto. Un asunto obvio es el dinero, no seamos ingenuos. Y luego está la magia, eso que no se puede explicar... A uno le cuesta asumir que, como Queen, una vez que perdieron a Freddy Mercury, la magia no es algo que pueda volver tan fácilmente. En el caso de Led Zeppelin, como el de Queen, es imposible. No está John Bonham y no se entiende porqué muchos de estos grupos se empeñan en oscurecer sus magistrales leyendas, algunas de ellas merecidas y maravillosas.
Creía imposible, por la integridad que mostraba sobre ello, que Sting se decidiera a reunir The Police. Lo hizo y espero que no empañe lo que dejaron hecho. Lo mismo lo mejoran con un nuevo disco... Ahora son Led Zeppelin los que, mañana mismo, 10 de Diciembre, en el gran acontecimiento del año en el rock, volveran a tocar con Jason Bonham, el hijo del batería original. Los temas que hicieron están ahí. Podemos escucharlos más jóvenes, o podemos verlos cómo están ahora y maravillarnos con el talento que todavía seguro que poseen. Las opiniones, como decía Clint Eastwood, "son como los culos: todos tenemos uno".
Me gusta este último tema de Ian Brown, con un punto de vista que comparto. Una letra excelente que podéis ver junto al vídeo, subtitulado en inglés.
De padre griego y madre sueca, Steven Dimitri Georgiou triunfó como Cat Stevens en los sesenta y setenta con canciones como Wild World, The First Cut Is The Deepest o Father and Son, entre muchas otras. Es un personaje enigmático y lleno de talento. Sobre todo cuando en pleno éxito comercial y artístico, y según dicen, tras llevar una vida repleta de sexo y drogas como millonario, Cat estuvo a punto de morir ahogado en la playa de Malibú. Aquello provocó su conversión al Islam y su nuevo nombre, ahora Yusuf Islam. Fue entonces, en 1978, cuando dejó de publicar música y se retiró definitivamente. Pasó a convertirse en uno de los líderes islámicos de Londres.
Han pasado veintiocho años desde su último album pero ha sorprendido a todos, a mi por ejemplo, con su disco Another Cup, que tiene todo el talento de sus composiciones de siempre. A mi me parece un artista con una gran sensibilidad, con un gran gusto. De su vuelta, Yusuf Islam culpa a su hijo. Es maravilloso escucharle hablar sobre cómo surgió todo:
“Todo comenzó hace un par de años cuando mi esposa le compró una guitarra a nuestro hijo. Era una preciosa Gibson negra y estaba por allí. En mi mente, se me iban las manos hacia ella. Fue una difícil tentación de resistir .Y me rendí. Sí, yo le echo la culpa a mi hijo de que haya vuelto a coger la guitarra. Un día descubrí que la tocaba muy bien, que escribía sus propias canciones . Sentí nostalgia. Así que una noche, cuando los demás estaban dormidos , después de los rezos matinales, cogí la guitarra y empecé a tocar cosas nuevas, cosas que volvían a salir de mi imaginación. Sentí como si volvía a enamorarme otra vez de la guitarra. De alguna manera, la guitarra es un gran símbolo de unidad. La guitarra llegó a Europa gracias a los árabes españoles . Eso lo supe hace un par de años ,cuando estuve visitando Cordoba ,que me impresionó. Me lo contaron nuestros hermanos de Al- Andalus. Entonces pensé que la cultura, realmente, no tiene fronteras. Y que también debía volver a aprender. Incluso conozco nuevos acordes en la guitarra”
Y lo mejor de todo, para todos los que nos gusta Cat Stevens, ahora siente la necesidad, no sólo de volver a aprender (de ahí su especial humildad y sensibilidad a la hora de percibirse como músico) sino de de volver a componer:
”Para ser lo que quieres ser, debes de dar a tu existencia lo que tu eres. Eso es muy importante. Pero ahora he sabido que hay un pequeño espacio en mi existencia que tengo que rellenarlo con mi música”.
Su último disco lo ha grabado entre Estados Unidos e Inglaterra pero de su reciente deportación de los Estados Unidos mejor ni hablar. Todos nos imaginamos el porqué. Por fortuna, Cat Stevens nació cerca de Carnaby Street, en plena Oxford Street, y lleva siendo londinense toda su vida. La vida es algo más que un pasaporte denegado por un gordo policía americano.
Mi pequeño homenaje del día a un tío al que admiro muchísimo, Jeff Porcaro. Fijaos en la limpieza, en cómo suenan las notas, su sonido, su manera de acompañar a la batería. La mejor manera de ver a un brillante batería de sesión en plena acción, sin cortes, sin producción. Y no esperéis grandes alardes. No se trata de eso a la hora de tocar para la gente.
Por último, una versión de Africa realmente maravillosa. Magnífico este guitarrista Andy McKee haciendo esto en su casita.